El terreno de la música electrónica es a menudo un laboratorio en el que muchas derivaciones, cambios y modificaciones se llevan a cabo en cada vez menos tiempo: el género ha sido y es uno de los más fructíferos y apasionantes bancos de pruebas en el que nuevas tendencias y enfoques van rehidratando antiguos patrones o generando nuevos vehículos para la innovación. 2014 ha sido particularmente un curso entretenido si nos referimos a avances electrónicos y la confirmación de nuevas tendencias que hasta el momento solo flotaban como puras anécdotas: el Grime y su modelo sonoro deconstruido, rebajado a su mínima esencia y enfríado a temperaturas bajo cero es de largo el trend más destacable dentro de la vanguardia electrónica. 

Hyperdub y su décimo aniversario han tenido un peso entre positivo y negativo en el transcurso del año, y el Footwork se ha quedado huérfano de una de sus figuras clave, por no hablar del sector nacional, en pleno burbujeo de nuevas propuestas y aventuras editoriales que están aportando mucha más consistencia a una escena todavía muy joven. A lo largo de dos artículos y 16 puntos clave, ilustramos ya en 2015 y con buena panorámica, los asuntos, sucesos y acontecimientos más importantes de la que ya es nuestra asignatura principal. 

Disboot y Sweat Taste: dos tipos de juventud.

"La idea es abrir mucho más el enfoque, todavía más. No solo a nuevos estilos o géneros, porque ha llovido mucho en un año y pico, la idea es buscar música completamente atemporal, material que puedas escuchar ahora o lo puedas degustar en 5 años. Nos queremos abrir más estilísticamente y también en cuanto a formatos".

Dr. Res se expresaba así a principios de 2014, cuando junto a Uxuka realizaban la primera entrevista alrededor de su sello Disboot y el regreso de este al panorama editorial electrónico, después de un stand-by de más de un año. La que fuera la marca que mejor representó la creación de los cimientos de una escena local que hoy estamos disfrutando y por la que el extranjero muestra gran interés, quería mantener el culto generado a su paso desde sus primarios inicios en Poblenou, conservando activos clásicos como Cauto, los propios fundadores o Ilia Mayer, pero expendiendo sus miras hacia otros objetivos y también adaptar su carisma a la nueva generación. 

La segunda juventud de la etiqueta barcelonesa se ha proclamado en 2014 como uno de los principales acontecimientos del 2014 en nuestra geografía: apostando por propuestas menos cercanas al patrón Bass que habían explotado en su primera etapa, tales como Sunny Graves (con su intenso, denso sonido), el beat-constructor Mans o (y sus texturas pluricelulares o acercamiento de forma libre a la composición con cierto aire psicodélico) y el irlandés Arenas, Disboot se ha reinventado con la misma personalidad y tranquilidad con la que comenzaron a construir.

Al igual que Disboot en sus inicios, Sweat Taste está realizando hoy por hoy una tarea muy parecida a la hora de crear o formalizar una "manera de entender" la música electrónica y a su vez diseñar una comunidad de activos como si de una familia se tratara: los bilbaínos, comandados por Mark Luva, están aprovechando bien las herramientas que Internet les facilita para dar salida a proyectos que salen de lo común, normalizándolos y dándoles la presentación que se merecen.

Apasionados de los acercamientos de aire maximalista, en alta definición y las fórmulas que incluyen tanto Hip Hop, R&B como Footwork o restos de UK-Garage/Dubstep, este año han dado un paso en alto al lanzar notables referencias de los malagueños BSN Posse, YDVST, Judah o Sacred Things, éste último proyecto paralelo de Doma que ha roto con la línea entusiasta del catálogo en términos generales, al presentar un material más oscuro y dramático. 

Son dos modelos de acción que tienen mucho en común, planteados en panorámico: si Disboot aprovechó, supo divisar y explotó lo que tenía a su alrededor dándole una importancia que después se justificó con éxitos, creando a su camino una comunidad definida de artistas y un sonido impreso, Sweat Taste está consiguiendo lo mismo pero de forma más grandilocuente, realizando movimientos más impulsivos y creando su carácter a salto de mata, pero haciéndolo y demostrándolo con cada release. La conclusión nos da a dos sellos de los que aprender y dos tipos de juventud muy cercana: una recuperada desde la experiencia y la serenidad, y otra dotada de la pasión y motivación de las primeras batallas. 

YDVST, RIA EKIN, Wi-Fiji y la relación con la red de redes

Ciertas propuestas artísticas que no paran de brotar como hongos germinados a partir de la cada vez mayor conceptualización de la red y su impacto, las modificaciones de conducta, culturales y de consumo que con su evolución está implantando en nuestros cerebros y hogares. Vivir y actuar, relacionarse dentro de una simulación de impulsos o experiencias continuadas que a su vez crean otras experiencias críticas o construidas a partir de restos virtuales, basura digital y retales de otras generaciones. 

En la segunda parte de Chrome Country, Raul Almeda "acudía a las impresiones, razonamientos y experiencias de tres productores nacionales estrechamente vinculados a los nuevos parajes virtuales en los que se aloja un creciente burbujeo creativo que a su vez puede estar sentando un precedente de nuevas sensibilidades y actitudes" para dar una visión más amplia a su artículo/análisis principal en el que se versa sobre los efectos y sobre todo, el determinante peso de la red de redes en los últimos avances musicales y artísticos.

RIA EKIN y su crítica al márketing agresivo o el naming desde lo visual y la hibridación de segmentos electrónicos como el Trap, Jungle o Footwork desde lo auditivo, YDVST y su cercanía a la temática Vaporwave (utilizando moods como el Downtempo, el Boogie Funk ralentizado, los parajes ambientales en comunicación con la terapia New Age o una representación visual RGB), Wi-Fiji y su captura, revisión y recontextualización de simbología básica de Internet, acompañada de un modelo sonoro cercano al hi-fi Pop y la beat-construcción maximalista. Los tres conversaban con el autor sobre "la importancia de los imaginarios estéticos en relación con el sonido, sus flechazos o grado de vinculación con el mundo 2.0, sus percepciones respecto al momento actual y sus personales proyecciones relacionadas a un hipotético futuro de las músicas arraigadas a la cultura on-line".

La intención de "catalogación" o "agrupación" de estos tres artistas parcialmente asentados en España y su presentación colectiva no es otra que ayudar a anular las barreras geográficas que nos asperezan y encorsetan aún hoy a la hora de tratar cierto material artístico desde un claro complejo de inferioridad: en Internet no hay nacionalidades y todo está al alcance de cualquiera (herramientas, éxito o fracaso), incluso la mayor o menor sensibilización con el entorno virtual y sus características. Aunque ya basta de concretar y centralizar siempre dentro de nuestras parcelas y divisiones de otras épocas, aunque hay que acercarse a la universalización para no minimizar importancia y dejar de comparar, es bueno exponer de forma coral y con detalle los enfoques de autores que conviven día a día con nuestra realidad social y "física". 

Lost Twin y la niebla.

"The Mist" es una banda sonora de un terreno imaginario al que hemos profundizado y no sabemos cómo".

Aunque para algunos está lejos de ser una sorpresa, Lost Twin y su característico proyecto musical han dando un paso determinante en 2014 para acercar su particular manera de componer y confeccionar texturas a un mayor volumen de público y también resonar con más fuerza a nivel internacional. En el estreno de "The Mist", decíamos del artista sevillano Carlos R. Pinto: "conectado de manera invariable con la estética beat-abstracta descendiente de los primeros experimentos de Flying Lotus, Daedelus, AmmonContact o sellos como Plug Research en Los Ángeles, va un poco más allá de la manida etiqueta y siempre convence al oyente desde el cuidado y detallismo de sus producciones; meticuloso, sensitivo e imaginativo, sus composiciones introducen al receptor en un limbo profundo y frondoso sin que éste parezca una amenaza: de repente te encuentras flotando sobre un líquido denso y sedante, desconoces tu alrededor pero permaneces estático, en calma, sin temor alguno pero con nuestros sentidos en alerta".

Arriesgado, emotico y coherente a la hora de incorporar o explotar influencias, "sus rasgos y ADN viajan a través de estructuras libres, los ritmos fracturados y las melodías construídas con delicadeza van desarrollándose de forma fluida y preciosista". Comparaciones con Dimlite, Teebs, Jonti, los contemporáneos Mndsgn o Pyramyd Vritra eran evidentes, pero se refuerzan con la llegada de este conjunto impulsado por Squaring The Circle, mostrando a un artista que "avanza en términos creativos encontrando en este álbum una narración muy personal para su discurso, en el que combina por primera vez escenas de aire ritual, un uso más ágil de las voces etéreas y una incorporación de texturas de forma polifacética". 

Música Oscura Moderna

"Wherever we are, what we hear is mostly noise. When we ignore it, it disturbs us. When we listen to it, we find it fascinating. The sound of a truck at fifty miles per hour. Static between the stations. Rain. We want to capture and control these sounds, to use them not as sound effects but as instruments.” – John Cage, 1937.

Imágenes de John Cage y otras células vanguardistas se suceden en los primeros pasos visuales que presentaron a Modern Obscure Music, un sello que deja claro desde el primer momento que es una suerte de "homenaje" a todos esos espíritus artísticos y experimentales que quisieron no solo incidir en nuestra cronología musical, sino modificarla con firmeza y atrevimiento. La marca recién creada por Pedro Vian (ex miembro del dúo Aster, Hivern Discs) es una de las más gratas sorpresas del año en nuestra realidad electrónica: con un aspecto serio y sobrio, que juega con los blancos y negros, un concepto muy claro que imprimir en cada release, está demostrando con tan solo tres referencias cómo se deben hacer las cosas a este nivel. Proyección, dedicación y buen cuidado del material. 

Un primer EP de producciones orgánicas de Vian, en las que incorpora cadencia africana y algún rasgo tribal a un patrón 4x4, fueron complementadas por brillantes, impredecibles remezclas de Hieroglyphic Being y el outsider Madteo; un segundo release digital incorporó a nuevas voces cercanas como las de Defled o Sunny Graves, y el primer casete impulsado llega dotado de un acentuado espíritu meditativo, con Munne dibujando dos excursiones sonoras de particularidades Drone/New Age. La atención internacional no se ha hecho esperar y si la regularidad es óptima, es muy probable que Modern Obscure Music se convierta en uno de los mejores sellos abiertos en nuestras inmediaciones en los últimos años. 

"This record label is dedicated to John Cage, Yannis Xénakis, Luigi Russolo, Thomas Alva Edison, Arnold Shöneberg, Richard Wagner, Karlheinz Stockhausen, Edgar Varèse, Pierre Schaeffer, György Ligeti, Harmonia, Neu!, Terry Riley, Popol Vuh, Karlheinz Stockhausen, Brian Eno, Laurie Spiegel, Arthur Russel, Fela Anikulapo Kuti, Ursula Bogner, Bruno Spoerri, Steve Reich, Philip Galss, 808 State, Robert Moog, Richard David James, Luke Vibert, Vangelis, Angelo Badalamenti, Michael Sandison and Marcus Eoin, Vija Celmins, Werner Herzog, Francis Bacon, John Berger, Richard Serra, Tangerine Dream, Boris Vian, Jonas Mekas among many others"...

Grime: reducir para reinventar.

No es trend de 2014 que la reducción y a priori abstracción del modelo instrumental del Grime está a la cabeza de la vanguardia electrónica hoy por hoy, o al menos demostrando que es una de las tendencias en las que un mayor movimiento molecular de eso que llamamos "innovación" está teniendo lugar. Desde la llegada de Butterz, No Hats No Hoods y Oil Gang, el hijo bastardo del UK-Garage generado a partir de la suciedad y escasez de recursos de los suburbios londinenses ha mutado en una nueva forma más polivalente y no tan limitada para invadir por fin las salas de todo el mundo, abandonando parcialmente los sótanos, ordenadores usados y garajes en los que nació. 

El desplazamiento en cuanto a importancia del MC y el aislado a voluntad de ciertos instrumentales (el movimiento determinante fue la atención dedicada por Planet Mu a los beats creados por Terror Danjah años atrás), los cuales comenzaron a tener un valor autónomo y utilitario, fueron la semilla para que propuestas como Ruff Sqwad brotaran para cambiar para siempre las formas de producción ancladas al género, provocando un culto que después se encargaron de transmitir gente como Spooky, Bok Bok a través de esa etiqueta llamada Night Slugs, Kode9 y otros exponentes que han dado un "nuevo valor" al componente instrumental del Grime. 

Un patrón tan carismático como el que posee el Grime ha sido producto de experimentos y avances cruciales que llevan sucediéndose más o menos desde finales de 2012: desde Jam City y su "Classical Curves" en el que replanteaba la música o construcción club incorporando rasgos del estilo y uniéndolos con House, Techno o Hip Hop, pasando por Helix y su "eski-Techno" y llegando al esencial debut de Logos para Keysound, un álbum ("Cold Mission") que enfriaba, helaba y reducía a un semblante distópico los principales acentos del Grime, convirtiéndolo en una sustancia fluida, misteriosa e inquietante con especial inciso en las "melodías" y estructuras de percusión. 

A raíz de aquel release, comenzaron a surgir artistas que también optaban por "congelar" ciertos aditivos del Grime y experimentar con ellos: melodías románticas y tristes que parecen flotar en la ingravidez, voces sintetizadas y coros lejanos de ciencia-ficción, la reducción del género a unas únicas notas y tonos que serpentean con dinamismo son los aspectos principales del sonido de Visionist (Louis Carnell, agente libre con lanzamientos en Keysound o Lit City Trax que espera su turno para debutar en PAN este año), así como lo fueron en el sorprendente álbum debut de Fatima Al Qadiri en Hyperdub, explotando la artista de forma inteligente el ingrediente "sino-Grime" que da a las melodías un tono cercano a "orientalizado". 

Aunque un escenario post-apocalíptico es lo más recurrente que una mente puede visualizar al escuchar, por ejemplo, los dos EPs con los que Moleskin sorpendió en 2014 (su homónimo para su propio sello Goon Club Allstars o el maravilloso "Satis House" para Keysound), repletos de melodías que parecen ser producto de una refractación, con un aspecto entre maligno y resplandeciente, creadas a partir del aislamiento de algún compuesto futurista, el Grime también se está abriendo paso en tonalidades más alegres, positivas y ciertamente maximalistas: Murlo y su "Into Mist" para Rinse, la forma de plantear los tracks del irlandés Bloom o los exponentes de Her Records Sudanim o CYPHR son los principales portadores de este código. 

Mr. Mitch y su fichaje por Planet Mu han sido otro punto de inflexión para capitulizar esta tendencia ya no como anecdótica sino como representativa de una época electrónica: su álbum debut "Parallel Memories" es el tratado más consecuente y trabajado de todos los que se han recibido en 2014, una maravillosa compenetración de rasgos Grime sintetizados y minimizados, melodías preciosistas, tejidos electrónicos espaciosos y voces de aire R&B introducidas con mimo. Escenarios futuristas confeccionados con detalle por el fundador de Gobstopper que aportan ejemplos sólidos para cualquiera que no creyera en la validez del género a la hora de construir amalgamas más completos y polivalentes. 

Frescura es un componente que tampoco ha escapado a la nueva realidad Grime en este último curso: Mumdance y sus producciones más dinámicas y originales para el MC Novelist ("Take Time" como la más esencial muestra) son los principales causantes de que las nuevas formas de producción que están generándose en el underground electrónico regresen a su escenario común, que no es otro que el modelo Grime básico (MC + productor). No podemos olvidar a K9 y su mixtape "Mad In The Cut", en la que se sirve de beats de Visionist o de PLATA, uno de los pocos activos de nacionalidad española junto a Noaipre sensibilizados con esta tónica electrónica. También, Slackk, el de Liverpool, uno de los prioneros a la hora de mover y dinamizar los rasgos del género hacia otras direcciones, ha lanzado un imaginativo y sólido álbum para Local Action (sello de Tom Lea que también ha sido el primero en apostar por Inkke, Shriekin o el puntero deje New Age/Ambient de las configuraciones de Yamaneko) titulado "Palm Tree", un disco en el que ha volcado todo lo experimentado y aprendido durante todos estos años. 

Mientras Tri-Angle se está apoderando de las unidades que promueven un enfoque más dañino, oscuro y sombrío de la misma fórmula (Rabit, SD Laika), otras iniciativas no solo musicales o editoriales comienzan a despegar o a confirmarse: desde la plataforma "televisiva" o audiovisual Just Jam a las veladas "instrumentales" Boxed en Londres, esta progresiva reinvención del género está formalizándose y dejando un aspecto primario para fortalecerse a todos los niveles. En ocasiones un congelado de los factores "esenciales" de un género y su posterior reinterpretación es lo único que hace falta para dar bautismo a una nueva tendencia electrónica. No es minimalismo: es un aislamiento de lo básico para poder comenzar de cero. 

Next Life: TEKLIFE y la ausencia de DJ Rashad

"Ante la aparición del álbum colectivo, la iniciativa familiar "Next Life" editada por Hyperdub por TEKLIFE, se vislumbra un nuevo estadio en la evolución del Footwork que lamentablemente ha estado marcado por la defunción de DJ Rashad, el líder de la generación y a partir de ahora una suerte de mártir que acompañará al género en todas sus vivencias".

El Footwork y su evolución parecieron pararse en seco cuando el pasado 24 de Abril DJ Rashad fallecía de forma inesperada: ¿Qué iba a hacer un género maduro pero en plena expansión internacional sin su principal punta de lanza, sin su exponente más creativo y representativo? La respuesta, triste y también coherente de Hyperdub ante tal suceso, fue la reunión de toda la familia TEKLIFE alrededor de un homenaje a la figura del de Chicago, imponiendo un nuevo estadio que se inicia con la ausencia del líder de la manada y que aunque le tendrá presente en todo momento, tendrá el valor de caminar gracias al impulso de la comunidad, cada vez mayor, más sólida y compenetrada. En un artículo en referencia a esta marcha, en el que además de analizar los 5 años de exposición del Footwork a nivel internacional y evaluábamos su posible futuro, se comentaba esto:

"TEKLIFE, conceptualmente, es la vida rápida, acelerada, directa y sin tiempo para la reflexión, mantenerse “vivo o morir”, una actitud de entusiasmo y experimentación al límite de las jurisdicciones que congenia al dedillo con la música (y competitividad inherente del baile) que se promueve, igualmente extrema, apresurada y esencialmente impulsiva. Musicalmente desciende, o más bien puede considerarse un perfeccionamiento de la escuela Ghettoteknitianz, igualmente patentada por Spinn, Rashad o Traxman y que equipara, relaciona el Footwork a las características del Techno. Con Rashad ya situado como una figura electrónica de primer nivel, editando en el sello más respetado de cuantos hayan aparecido en el Reino Unido, la comunidad y ecosistema TEKLIFE fue haciéndose mayor y lo mejor: multicultural.

No solo los ya conocidos Deejay Earl, Taye, Taso, Spinn, DJ Manny, Gant Man, Traxman o DJ Phil seguían creciendo en términos de atención popular, también se incorporaban activos como DJ Paypal, Durban o el jovencísimo Sirr Tmo, el más intrépido en cuanto a la fusión de estilos de cuantos conviven en ese hogar. Antes del 26 de Abril de este 2014, el Footwork, lejos de parecer algo establecido, era ya sí algo considerado ya de forma cuasi unánime como el compuesto de más rápida extensión en la historia de la música electrónica (no una extensión en cuanto a unidades infectadas, sino por su facilidad para adentrarse en otros diseños electrónicos). La llegada de un tercer estadio estaba al caer y para lamento de toda la comunidad, éste se encarnaría en el repentino fallecimiento de DJ Rashad a causa de una sobredosis a la edad de 34 años.

Es una cuestión difícil la que se plantea a raíz de la desaparición del líder natural: la necesidad de un mártir para adquirir una nueva forma, la idea de tener una figura a la que honrar, un talento prodigioso que asciende al rol de leyenda y parece marcará los pasos del género que él mismo describió con “un potencial ilimitado” durante toda su existencia. Muchos ya lo han comparado con la influyente muerte de J Dilla, a pocos días de lanzar “Donuts” (Stones Throw, 2006).

“Next Life”, el álbum que ha confeccionado Hyperdub para homenajear la figura de DJ Rashad y del que todos los beneficios irán destinados al hijo del productor, es uno de los discos más importantes del año no solo por el factor sentimental, también por representar el verdadero giro de guión provocado por esa tragedia; la sensación de estar huérfanos pero más unidos que nunca se ha hecho palpable si visualizamos la panorámica de la comuna TEKLIFE; el desafortunado hecho ha creado una sensación “familiar” que hasta entonces no había quedado tan clara.

Además, ésta “sensación” parece dispuesta a ser el punto de partida para la siguiente evolución del género: la no limitación al espectro de Chicago es la crucial diferencia con “Bang & Works” y también el nuevo desencadenante que formalizará el Footwork como un código abierto y sin normas determinadas únicamente en posesión de locales o cercanos al núcleo. “Next Life” significa una ilustración del presente del Footwork pero también un adelanto de lo que viene: el ejército TEKLIFE solo será el portador de la bandera, pero la revolución seguirá un camino sin barreras, tal y como lo hubiera deseado el propio Rashad".

Her Records: nueva musculatura

Digo nueva musculatura refiriéndome al vigor, fibrosidad, fuerza que las producciones lanzadas por Her Records tienen en su ADN: sirviendo de segunda generación de lo ya impuesto por Night Slugs y Fade To Mind y siguiendo con el modelo de "construcción club" fornida, voluminosa y neumática que implementa no solo Grime, sino influencias como el Acid House, el Techno, Hard-Techno o Ballroom, el colectivo de los Sudanim, CYPHR, Miss Modular, Kid Antoine o Fraxinus ha conseguido en tan solo un año plantarse a la cabeza de la escena electrónica británica. 

Música dirigida al club que bebe directamente del ya mencionado "Classical Curves" de Jam City y que gracias a nuevos matices planteados en referencias como "Reflector Pack" de Miss Modular, "The Link" de Sudanim o el monumental "Ekleipsis" firmado por CYPHR, está adquiriendo un semblante más arriesgado y atrevido. Neana (Gang Fatale), Deamonds, Air Max '97, Nadus, Drippin o Georgia Girls son otros exponentes del mismo calibrado entre experimentación con las leyes Grime y sustancia club, pero Her Records es principalmente la escuadra más significativa y de aspecto más definido dentro de este nuevo enfoque. 

Hyperdub: 10 años enseñando eclecticismo

Ha sido un mal año para Hyperdub, a pesar de que la etiqueta dirigida y fundada por Kode9 ha completado uno de sus años más exitosos, a nivel cualitativo: el décimo aniversario del mejor y más ilustrativo sello londinense de los últimos años ha quedado teñido de un negro inoportuno debido a las desapariciones de dos de sus estandartes, el que estaba destinado a ser uno de los nuevos valores de la misma como era DJ Rashad y la voz por excelencia impresa en el sello, la del amigo y colaborador de Goodman Spaceape. 

Estos sucesos han enturbiado tristemente el que debía ser un curso de celebración para una compañía que lleva enseñando eclecticismo durante una década: la virtud principal de Hyperdub es la de alzarse casi siempre con la voz más identificativa en casi cada momento de la última cronología electrónica, sin perder personalidad ni sonando incoherente en ninguno de los casos.

Desde Burial como primer eslabón en su recorrido, generando a su paso (y al de su inconfundible sonido basado en la nostalgia y detritus Rave) toda una comunidad de fieles y sirviendo como fuente inagotable de influencia, al paso de Zomby por sus filas o la llegada del primer proyecto que insertó la temática Dub/Bass en un formato de Pop válido como fue King Midas Sound, a Cooly G, el propio Kode9, Terror Danjah, LV o las últimas incorporaciones, como la de Laurel Halo, los ya disueltos Hype Williams, Fatima Al Qadiri o la firme apuesta por el Footwork y la crew TEKLIFE después del abandono simbólico de Planet Mu. 

Todos esos nombres y momentos a lo largo de 10 años se han visto representados en una serie de recopilaciones que han dibujado el carisma del sello de una forma óptima: transgresor pero con sus raíces claras, mirando siempre hacia delante pero sin desprestigiar el pasado, Hyperdub sigue enseñando que el carácter no es solo apostar por unos géneros concretos, estilos o tener un roster férreo, así como dar a las referencias un tratamiento concreto, que más bien se trata de cultivar y seguir alimentando un espíritu sonoro determinado que no se puede ni ver ni tocar, pero sabemos que está ahí. 

@FrankiePiza